Conosciuti per il loro eclettismo e dinamismo, Picca e Mars sono un duo italiano, nato in Puglia. Marcello da sempre appassionato al mondo della musica, muove i primi dischi all’età di 16 anni, nei locali vicini, mentre Giuseppe, inarrestabile promotore e gestore di locali, segue il mondo della musica dietro le quinte, senza intraprendere la carriera di dj.
I due si incontrano proprio nel locale di cui Giuseppe era gestore e subito scoppia feeling, le contaminazioni cominciano a contagiare l’uno lo stile dell’altro. Da qui nasce il progetto PICCA & MARS che in breve tempo diventa un punto di riferimento della movida del sud Italia. Oggi hanno preso forma nuovi progetti, come la creazione di un’etichetta discografica, LUUP REC, e nuovi dischi disponibili nei maggiori portali musicali. Il loro obiettivo è affascinare il mondo della musica con la loro fresca fusione di stili, combinando house, afro e indie per creare un mix unico e coinvolgente.

Una serata evento esclusiva, con aperitivo e concerto, al ritmo dell’artista britannico Ray Gelato accompagnato in jam session dai sassofoni di The Giants.
Ray Gelato, cantante e sassofonista britannico, e la sua band “The Giants” hanno una carriera di successo con esibizioni in luoghi prestigiosi come il Ronnie Scott di Soho, uno dei più famosi jazz club di Londra. Ray Gelato ha suonato per la Regina Elisabetta, nel 2001 ha aperto il concerto per Robbie Williams alla Royal Albert Hall e suonato al matrimonio di Sir Paul McCartney. La band ha partecipato a importanti festival internazionali, ricevendo recensioni positive e contribuendo a colonne sonore di film e serie TV. Nel 2012 viene pubblicato Wonderful – The Italian Songbook che unisce l’estetica britannica allo swing italiano, includendo classici come “Via con me”, “Torna a Surriento” e “Sott’er celo de Roma” e due pezzi originali come “Fuma” e “Mambo Gelato”.
Recentemente hanno festeggiato il 25° anniversario con concerti in Europa e pubblicato un nuovo album, registrato individualmente dai vari musicisti in casa durante il periodo di isolamento imposto dalla pandemia, dal titolo: Locked Down But Not Out.

Ray Gelato, voce, sassofono tenore

Danny Marsden tromba,

Andy Rogers trombone,

Olly Wilby sax alto e sax tenore,

Gunther Kurmayr pianoforte,

Manuel Alvarez contrabbasso,

Marti Elias batteria

Il quartetto vocale barese Faraualla formato da Loredana Savino, Gabriella e Maristella Schiavone, Teresa Vallarella è nato nel 1995. Il gruppo si focalizza sull’uso della voce come “strumento” attraverso la pratica della polifonia e l’esplorazione delle espressioni vocali di diverse culture e integra le influenze delle diverse tradizioni in composizioni originali, con radici culturali forti e strumenti a percussione tipici della Puglia. La Puglia è presente nei suoni e nel nome del gruppo, quest’ultimo si ispira alla cavità carsica nell’altopiano murgiano vicino a Bari. Voci armoniose, intense, comunicative, che sussurrano, a volte urlano, emozioni, sentimenti, passioni, aneliti ancestrali. Voci delicate e forti come solo una Madre sa essere. Voci che cercano la Vita, con la creatività contemporanea che si lascia contaminare dall’arcaico, dal vissuto, dalle radici popolari, di cui la Puglia è ricca

Possiamo rinascere dalla melma in cui ci siamo cacciati come Umanità, solo confidando sui bambini, prime vittime innocenti del degrado che abbiamo provocato, e semi di speranza di una conversione, che ora ci appare disperata. È questo il messaggio che le Faraualla ci affidano con il loro ultimo album “Culla e Tempesta” (Zero Nove Nove), a dieci anni dal precedente “Ogni Male Fore”, in continuità, quindi, con la speranza di guarire, di liberare il mondo stesso dalle sofferenze che abbiamo provocato con il nostro agire irrispettoso della Natura.

Gli Emotions DJ sono un trio storico composto da Nicola Di Venere, Enzo Veronese e Pasquale 33, noti per le loro selezioni musicali che spaziano dagli anni ’80, ’90 e 2000 fino alla migliore musica house contemporanea.

Valeria Todisco: Presentatrice live e televisiva, nota per “Colpa D’Alfredo TV”, trasmesso su oltre 100 emittenti regionali in tutta Italia, sia sul digitale terrestre che su Sky. Ha condotto grandi eventi sportivi e aziendali per Banche, Ambasciata d’Olanda, Sultanato dell’Oman e la Fiera del Levante.

Enzo Veronese: DJ e batterista funky, ha trasformato la sua passione per la musica raffinata in una carriera professionale. È stato guest DJ nei migliori locali regionali e nazionali, tra cui Le Privè, Snoopy, Sunflower, Vizio, Rainbow, C’est la Vie, Neo Club, Penthouse, Arcadia e Sexto Senso.

Pasquale 33: Ex direttore artistico di Radiobari, nata sotto la sua direzione nel luglio 2007, è stato un pioniere nel lanciare una nuova emittente locale professionale in un periodo in cui la radiofonia era in declino. La sua carriera è iniziata nel 1975 come disc jockey, una professione allora considerata audace. Nel 1986, contribuì a trasformare una villa dell’800 in una discoteca, creando il mitico club Renoir. Nel 1987, fondò Doctormusik, un negozio di dischi specializzato in vinili d’importazione, diventando un punto di riferimento per gli operatori musicali pugliesi. Nel 1990, realizzò la visione di fare di Bari una capitale del jazz europeo.

Nicola Di Venere: DJ produttore pugliese, con un importante background musicale, per anni è stato storico dj resident del Divinaefollie. Attento ai nuovi suoni senza perdere di vista il passato, con le sue scelte riesce a fondere il nuovo sound con la vecchia scuola in modo unico e originale.

I Bokanté sono un ensemble diversificato, creato da Michael League, fondatore e vincitore del Grammy degli Snarky Puppy, ricco di groove, melodia e soul. Il nome “Bokanté” significa “Scambio, dialogo” in creolo, la lingua della giovane cantante Malika Tirolien, la voce principale del gruppo, originaria dell’isola caraibica di Guadalupa. Insieme a Michael League (che per l’occasione lascia il suo basso a favore della chitarra baritono) ci sono altri due Snarky Puppy sono: Chris McQueen e Bob Lanzetti. A completare la formazione: il grande percussionista Jamey Haddad (Paul Simon, Sting), il virtuoso della pedal steel guitar Roosevelt Collier (Lee Boys, Karl Denson), il percussionista André Ferrari (Väsen) e Keita Ogawa (Banda Magda, Yo-Yo Ma). In occasione di Bari in Jazz 2024 presenteranno il loro terzo album “History”, nominato per due Grammy Awards 2024. Le canzoni, principalmente in creolo di Guadalupa, trattano di outsider, veggenti, storia nera, unità globale e inutilità della guerra. Un concerto che annulla le differenze culturali, lasciando spazio a una connessione profonda e universale attraverso la musica. I Bokanté dimostrano il potere trasformativo della musica, invitando tutti a riflettere, amare e apprezzare la bellezza di un mondo ricco di diversità e armonia.

Roberto Ottaviano è un sassofonista italiano nato a Bari il 21 dicembre 1957. La sua carriera musicale è stata influenzata da grandi nomi come Lester Young e John Coltrane. Ottaviano ha collaborato con numerosi musicisti jazz, tra cui Dizzy Gillespie, Art Farmer, Mal Waldron, Chet Baker e molti altri. Ha suonato in diversi festival di jazz in tutto il mondo e ha insegnato musica jazz presso vari conservatori. Inoltre, è autore del libro “Il Sax: Lo strumento, la storia, le tecniche”. Dal 2018 crea “Eternal Love“, un progetto musicale che celebra l’Africa, la sua cultura e la resistenza attraverso la musica, con una coralità potente e unica. Il quintetto, formato daRoberto Ottaviano, Marco Colonna, Alexander Hawkins, Giovanni Maier, Zeno De Rossi, ha pubblicato tre album tra cui “Resonance & Rhapsodies” vincitore del Referendum Top Jazz indetto dalla rivista Musica Jazz per l’anno 2020, “People”. Hanno partecipato a festival nazionali e internazionali, portando il loro messaggio di libertà e redenzione attraverso la musica in tutto il mondo.

Roberto Ottaviano sax soprano

Marco Colonna clarinetti

Alexander Hawkins piano

Giovanni Maier contrabbasso

Zeno De Rossi batteria

Il gruppo All Woman 3D è nato dalla visione e dalla passione della talentuosa cantante e cantautrice italiana Letizia Gambi, che ha riunito altre talentuose artiste per creare un ensemble tutto al femminile. Insieme, queste musiciste collaborano per creare una musica unica e coinvolgente che fonde l’eredità del jazz con la passione mediterranea di Letizia: la sua musica è una fusione delle sue radici napoletane-italiane con l’eredità del jazz afroamericano. Ha collaborato con musicisti di fama internazionale come Lenny White, Ron Carter, Gato Barbieri, Chick Corea e Wallace Roney12. Il suo ultimo album “Blue Monday” mostra il suo stile personale nell’interpretazione del jazz. Include brani originali scritti da Letizia e Lenny White, nuovi arrangiamenti di standard jazz come “Recordame” di Joe Henderson (con testi scritti da Lenny e Letizia) e tributi a grandi artisti come Lelio Luttazzi, Sophia Loren, Pino Daniele, Amy Winehouse e Doris Day. All Woman 3D ha debuttato nell’International Jazz Day 2021, organizzato dal leggendario Blues Alley Club a Washington DC, sotto il patrocinio dell’Istituto Italiano di Cultura di Washington12.

Letizia Gambi voce e percussioni

Elisabetta Serio pianoforte

Giovanna Famulari violoncello

Ilaria Capalbo contrabbasso

Francesca Remigi batteria

Definito dalla stampa “un musicista eccezionale di rara versatilità e con una vera e propria vocazione internazionale”, Simone Prattico, batterista e compositore, si distingue per il suo inconfondibile stile di esecuzione, che riflette l’alchimia tra la cultura mediterranea e la musica afroamericana, tratto distintivo e biglietto da visita di questo ricercatissimo batterista, session musician e maestro di groove ibridi che combinano una vasta gamma di stili e linguaggi ritmici.Sulla scia del suo ultimo album Oriundo, acclamato dalla critica internazionale, il trio di Simone Prattico, composto dal pianista newyorkese Klaus Mueller e dal bassista brasiliano Acelino de Paula, ci offre un’affascinante miscela di jazz contemporaneo e atmosfere afro-funk. Un’alchimia accattivante, un suggestivo viaggio musicale.

Klaus Mueller piano
Acelino de Paula basso

Special Guest Sarah Cabral

I Matia Bazar sono un gruppo musicale fondato a Genova nel 1975 che, nel corso della sua carriera, ha subito svariate trasformazioni, lutti e rinascite. I membri originali della band erano Carlo Marrale, chitarra e voce; Piero Cassano, tastiera e voce, sostituito da Mauro Sabbione nel 1981; Aldo Stellitta, basso e cori; e Antonella Ruggiero, voce. Dopo l’istituzione del gruppo, si è aggiunto anche Giancarlo Golzi, batteria e cori.

Il singolo di debutto dalla band è stato Stasera… che sera!, al quale ha fatto seguito Per un’ora d’amore. I due brani hanno conferito agli artisti un discreto successo.Nel corso della loro carriera, hanno collezionato alcune partecipazioni al Festival di Sanremo, ottenendo il successo nel 1983 con Vacanze Romane. Il brano è stato premiato dalla critica e ha consentita alla band di ottenere numerosi riconoscimenti e premi.

Dopo i vari cambiamenti, oggi i MATIA BAZAR si presentano con una formazione rinnovata guidata da Fabio Perversi (tastierista della band da oltre 25 anni), Piercarlo (Lallo) Tanzi alla batteria e voce, Silvio Melloni al basso, tastiere e voce, Gino Zandonà alla chitarra e voce e Luna Dragonieri, voce solista.

Una serata evento esclusiva, con aperitivo e concerto, a bordo piscina, con le note del pianista e compositore brasiliano Amaro Freitas che ha conquistato l’attenzione internazionale con il suo talento eccezionale nel mondo del jazz contemporaneo. Nato a Recife, nel nord-est del Brasile, la sua musica è una fusione affascinante di tradizione e innovazione, dove il ritmo travolgente del jazz si intreccia con elementi della musica brasiliana e altre influenze globali. Amaro Freitas è veramente un talento straordinario nel panorama contemporaneo del jazz. Con album come “Sankofa” e il recente “Y’Y”, Freitas continua a sorprendere e ispirare, offrendo un’esperienza musicale che va oltre il semplice ascolto. La sua sensibilità artistica e la sua consapevolezza ambientale si uniscono in un messaggio potente sulla connessione tra l’uomo e la natura, evidenziando l’importanza di preservare le nostre risorse naturali per le generazioni future. Con la sua musica, Amaro Freitasnon solo celebra le sue radici culturali e musicali, ma invita anche gli ascoltatori a riflettere sul loro rapporto con l’ambiente circostante e l’impatto delle loro azioni sul pianeta. In un’epoca in cui la consapevolezza ambientale è più importante che mai, le parole e la musica di Freitasrisuonano con una rilevanza e un’urgenza straordinarie.

Le Vibrazioni, la band italiana con oltre 20 anni di carriera, è formata da Francesco Sarcina, Stefano Verderi e Alessandro Deidda. Hanno all’attivo sei album che complessivamente contano più di un milione di copie vendute. Dal 2003 ad oggi, hanno girato l’Italia con più di 1000 concerti, compreso un live celebrativo al Mediolanum Forum di Milano. Nel ventennale del loro primo album, “Le Vibrazioni”, che si posizionò per settimane al primo posto della classifica dei dischi più venduti in Italia e che contiene brani iconici come “Vieni da me” e “Dedicato a te”, la band ha tenuto tre serate evento celebrando il loro percorso artistico dagli esordi a oggi. Ad aprile 2024, Le Vibrazioni partiranno con un nuovo tour estivo, prodotto da A1 Concerti, presentando uno spettacolo che racchiude venti anni di musica: dai loro primi brani ai successi sanremesi, fino alle canzoni che hanno emozionato e fatto ballare tutti quanti.

Nata da un’idea del vibrafonista pugliese Michele Sannelli, la formazione riunisce quattro tra i giovani musicisti di jazz che, negli ultimi anni, stanno riscontrando apprezzamento in tutta Italia, vantando partecipazioni a numerosi festival, collaborazioni di prestigio, incisioni discografiche e riconoscimenti in vari concorsi, anche esteri: sia Locarni che Sannelli hanno trionfato al Concorso Nazionale Bettinardi di Piacenza per in Nuovi talenti del jazz italiano, al Premio del Conservatorio di Milano e alle ultime due edizioni dell’European Jazz Award di Burghausen in Germania (Locarni primo in piano solo nel 2024 e Sannelli secondo con i suoi Gonghers l’anno precedente), mentre il pugliese Enrico Palmieri e il lucano Antonio Marmora annoverano tra le recenti collaborazioni quelle con i grandi trombettisti Giovanni Falzone e Enrico Rava. A completare la formazione, uno special guest d’eccezione: il sassofonista Javier Girotto, leader degli storici Aires Tango e icona internazionale del jazz.
In anteprima assoluta, il quintetto propone brani originali di Sannelli, Locarni e Girotto, fondendo un sound più mediterraneo e latino (di cui Girotto è un sapiente maestro) ad uno più fresco e contemporaneo, peculiare della musica prodotta dai quattro giovani musicisti.

Javier Girotto sax soprano

Michele Sannelli vibrafono

Simone Locarni pianoforte

Enrico Palmieri contrabbasso

Antonio Marmora batteria

Aymée Nuviola, conosciuta come “La Sonera del Mundo”, è una cantante, pianista, compositrice e attrice cubana. La sua abilità artistica e il suo stile accattivante hanno conquistato i cuori di tutto il mondo. Aymée ha vinto un Grammy Award per il Miglior Album Latino Tropicale con “A Journey Through Cuban Music” nella 62ª edizione dei Grammy Awards. Ha anche interpretato Celia Cruz nella telenovela colombiana Celia. La sua musica spazia tra jazz, salsa e timba, e si è esibita in numerosi festival e teatri internazionali, tra cui il North Sea Jazz Festival e il Curaçao. Durante la sua esibizione al Festival Metropolitano Bari in Jazz, Aymée Nuviola presenterà ‘Havana Nocturne’, il nuovo album realizzato insieme a Kemuel Roig, eccellente pianista, arrangiatore, produttore e compositore naturalizzato americano, dove mostra la sua sicura padronanza del linguaggio jazz rendendo omaggio alla sua incantevole città natale, L’Avana.

Francesco Baccini rilegge in chiave cameristica i suoi classici più famosi, accompagnato dagli archi delle Alter Echo String Quartet, formazione crossover femminile e dal chitarrista e arrangiatore Michele Cusato.
“Archi e Frecce” è uno spettacolo unplugged ironico e al tempo stesso intimista che unisce due mondi musicali: la vena rock del Baccini che tutti conoscono; e il lato classico della sua formazione musicale giovanile.
Numerosi i brani in scaletta, da quelli immancabili come “Le Donne di Modena” e “Ho voglia di Innamorarmi” a quelli meno conosciuti e raramente eseguiti live; oltre a due omaggi, uno a Fabrizio De André, uno a Luigi Tenco e un brano inedito.

Francesco Baccini Piano e voce

Alter Echo String Quartet:

Marta Taddei I° Violino

Noemi Kamaras II° Violino

Roberta Ardito Viola

Rachele Rebaudengo Violoncello

Michele Cusato Chitarra e Basso

Originaria di Noci in provincia di Bari, è un’artista di talento e vincitrice del progetto AIR 2024. Dopo il successo di “Inner Nature”, la sua carriera è fiorita attraverso partecipazioni a festival e collaborazioni significative, come quella con il Burnogualà Large Vocal Ensemble. La sua arte si estende oltre la musica, intrecciandosi con la danza contemporanea grazie alla partnership con Mariagiovanna Esposito e al suo ruolo di docente di Canto Jazz. Il suo nuovo album, intitolato “Anatomy of the Sun”, è stato pubblicato per la Parco della Musica Records. Elena è un esempio vivente di come la musica possa essere un ponte tra diverse forme d’arte e culture.

Simona Molinari è una cantante e cantautrice italiana originaria di Noci, in provincia di Bari. Attiva nella scena musicale nazionale da diversi anni, ha partecipato a numerosissimi festival e rassegne. Recentemente, insieme al poeta e drammaturgo Cosimo Damiano Damato, ha portato in scena lo spettacolo di teatro canzone intitolato “El Pelusa y la Negra”, la storia cantata di Diego Armando Maradona e Mercedes Sosa. In questo spettacolo, Simona Molinari interpreta il ruolo di Mercedes Sosa, eseguendo brani come “Todo cambia” e “Gracias a la vida”, mentre Damato rappresenta Maradona. Il Sudamerica Quartet, diretto da Valentino Corvino, accompagna questa performance unica. Simona Molinari ha anche pubblicato l’album “Hasta siempre Mercedes y Maradona”, un omaggio alla leggendaria cantante argentina Mercedes Sosa, con collaborazioni di artisti come Paolo Fresu e Bungaro12.

Fanelly è una cantautrice, compositrice e chitarrista franco-italiana con un sound raffinato e originale. Ha iniziato a farsi conoscere in Francia e in Italia con il suo primo album “Metro Stories”. La sua musica abbraccia influenze folk, pop, jazz e world, creando un universo artistico senza confini. Il suo timbro caldo e melodioso richiama le radici della sua regione natale, la Puglia. Ha già lasciato il segno nei prestigiosi club jazz parigini come Sunset Sunside, Barbizon e 59 Rivoli, oltre a esibirsi su grandi palchi come Maison de la Musique e il Locomotive Jazz Festival. Il Festival Bari in Jazz sarà l’occasione per presentare per la prima volta in Italia le composizioni del suo nuovo progetto “Il Mare”, accompagnata da musicisti provenienti da Italia, Francia e Marocco.

Fanelly – IL MARE

Mauro Gargano contrabbasso

Davide Chiarelli batteria, percussioni

Abdel Benz kanoun

Alba Carmona Duo è un progetto guidato dalla cantautrice spagnola Alba Carmona, che sa coniugare tradizione e modernità, in particolare nel flamenco e nella musica folk. Il duo è formato dalla voce di Alba Carmona e da una chitarra. Nel loro repertorio ci sono brani tradizionali reinterpretati e brani originali che mescolano il flamenco, il folk e altre sonorità. Alba Carmona viene da Barcellona e ha collaborato con molti artisti, tra cui il gruppo Las Migas. Il duo propone performance acustiche e intimiste, in cui si mettono in risalto la voce intensa di Alba e la bravura del chitarrista. Il repertorio comprende brani tradizionali e brani originali. Alba Carmona ha realizzato diversi album e ha ottenuto premi per il suo apporto alla musica spagnola contemporanea.

“Ballad for a Tree” è una performance del sassofonistaFrancesco Galizia che suona una ballata dedicata ai pini secolari che si trovano nel giardino del Minareto, la sontuosa villa moresca, in Contrada Gordini, con grandi finestre e ornamenti orientali, che decorano tutta la struttura, da cui è possibile attraversare con lo sguardo la Valle D’Itria.

Ballad for a Tree (2003) è un’opera tra le più iconichedi Massimo Bartolini che, come spesso capita nella sua pratica, ha una forte dimensione performativa che include il suono e la musica. Un sassofonista si avvicina a un albero e improvvisa un assolo in un tentativo di comunicare con un essere non umano, nella speranza, forse, che l’albero possa chiedersi: “che strano uccello sta suonando oggi davanti a me?”.

Così, concepita inizialmente negli anni 2000, a dimostrazione di un lunghissimo interesse dell’artista per la natura e il paesaggio (evidente in molte altre opere e nel progetto per il Padiglione Italia 2024), Ballad for a Tree è stata eseguita anche come atto di apertura della mostra retrospettiva di Bartolini Hagoromo, al Centro Pecci di Prato (2022).

In occasione di Due qui / To Hear, Bartolini ha concepito una nuova versione di quest’opera come un progetto diffuso e itinerante in diverse regioni d’Italia. Alcuni sassofonisti, selezionati con la collaborazione del musicista Edoardo Marraffa, storico collaboratore dell’artista, suoneranno intorno a diversi alberi di giardini, di campagna e urbani, sparsi per vari comuni italiani.

Evento realizzato nell’ambito del Public Program del Padiglione Italia alla Biennale Arte 2024, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

 

Event realized as part of the Public Program for the Italian Pavilion at the Biennale Arte 2024, promoted by Directorate-General for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture.

Leo Middea è un artista emergente della nuova generazione della Música Popular Brasileira (MPB), nato a Rio de Janeiro e attualmente residente tra Lisbona e Barcellona. Ha pubblicato cinque album. Nel 2022, ha aperto due concerti della cantante francese Sheila alla Salle Pleyel di Parigi. Riconosciuto come uno dei grandi nomi della musica brasiliana in Portogallo, è stato invitato dal Primo Ministro a esibirsi per il Bicentenario dell’Indipendenza del Brasile. Il suo album “Vicentina” (2020) è stato finanziato attraverso una raccolta fondi per strada e ha raggiunto un milione di ascolti su Spotify in nove mesi. Durante la pandemia, ha realizzato tour dal balcone e concerti sold-out in varie città. Nel 2023, con il nuovo album “Gente”, ha intrapreso un tour di 80 concerti in 8 paesi e 3 continenti, ottenendo un altro milione di stream.

Il Capriello Duo è una formazione musicale nata nel 2022 e composta da due talentuosi musicisti campani che si distinguono per la loro capacità di fondere diverse influenze musicali in un’esperienza unica e coinvolgente. Il loro repertorio spazia tra vari generi, tra cui il jazz, la musica classica e le tradizioni popolari. Sono noti per le loro interpretazioni tecnicamente abili e capacità interpretativa, esplorando un vasto repertorio e rendendo ogni esibizione un viaggio musicale diverso e appassionante. Il Capriello Duo si è esibito in numerose occasioni, partecipando a festival, concerti ed eventi speciali. Le loro performance sono state accolte con entusiasmo sia dalla critica che dal pubblico, guadagnando riconoscimenti e apprezzamenti per la qualità della loro musica e l’originalità delle loro interpretazioni.

Giuseppe Capriello sassofono

Enrico Asquitti piano

Luca Aquino è un eccellente trombettista e compositore italiano. La sua musica abbraccia vari generi, come jazz, classica e contemporanea. Nato a Napoli, Aquino ha avuto un’ottima formazione musicale fin da bambino e ha perfezionato il suo stile originale negli anni. Una delle qualità del suo lavoro è la capacità di combinare elementi musicali tradizionali con sonorità moderne e innovative. La sua tromba diventa uno strumento di espressione forte ed emotiva, capace di condurre l’ascoltatore in un viaggio attraverso paesaggi sonori ricchi e coinvolgenti. Luca Aquino ha realizzato diversi album lodati dalla critica, e le sue esibizioni dal vivo sono sempre molto apprezzate per la loro intensità e maestria tecnica. Grazie alla sua versatilità e creatività, è diventato una figura di rilievo nel panorama musicale italiano e internazionale, portando la sua arte in tutto il mondo attraverso concerti e collaborazioni con altri artisti di fama mondiale.

L’Ensemble Dareyn è un gruppo musicale che mescola le musiche coreana, turca, classica occidentale e jazz. Con modalità, ritmi, improvvisazioni e composizioni, la loro musica è un dialogo tra il passato e il presente. Lina Lee, con la sua voce e il set di percussioni coreane, offre performance di alta intensità che collegano il pubblico a un livello spirituale. Emine Bostanci, con il suo kemenche di Istanbul e la lira cretese, trasmette emozioni pure e profonde, mentre Miran Noh aggiunge la sua virtuosità al pianoforte jazz, arricchendo il paesaggio sonoro con strutture ritmiche complesse e un tocco di tradizione coreana. L’Ensemble Dareyn si esibisce in concerti che sono veri e propri viaggi attraverso i suoni e le storie della Via della Seta, invitando gli ascoltatori a un’esperienza musicale che è allo stesso tempo familiare e sorprendentemente nuova. Con ogni performance, l’ensemble dimostra che la musica è un linguaggio universale che può unire le persone nonostante le differenze culturali.

La formazione crossover composta dai musicisti, Alberto Gurrisi, organo, Egidio Marchitelli, chitarra ed effetti, Fabio Colella, batteria, costruisce atmosfere parallele che si aprono a dialoghi istantanei ed estemporanei che trasportano i musicisti e il loro pubblico in pindariche evoluzioni sensoriali.

Il progetto IL COLORE DEL MEDITERRANEO, attraverso musica e parole, vuole ripercorrerei momenti salienti della vita di due grandi personaggi, Nelson Mandela e Martin Luther King, divisi dal mare, Mediterraneo e Oceano, ma uniti dallo stesso profondo senso di giustizia nei confronti di situazioni persistenti, inaccettabili in merito alle libertà negate ai neri d’Africa e d’America. E’un progetto unico e originale, con un ensemble di violino, violoncello, percussioni, pianoforte, canto e voce narrante, accompagna il pubblico alla scoperta di aneddoti e curiosità sulle figure che più di altre hanno segnato il ventesimo secolo. Il Mediterraneo, ancora oggi tomba per molti migranti in cerca di fortuna e libertà, è, realmente ed idealmente, l’elemento che unisce Nelson Mandela e Martin Luther King: un mare che si fonde con l’oceano e che ha il colore rosso della sofferenza, blu di cieli infiniti, verde di coste rigogliose, marrone di terra promessa. Questo progetto ha soprattutto i colori dell’arcobaleno, i colori della PACE, mai quanto oggi necessaria.

I Frequency Disasters sono un trio musicale che si distingue nel panorama dell’improvvisazione e del postpunk. Il gruppo è composto da Steve Beresford, pianista inglese con un passato nelle band Slits e Flying Lizards e collaborazioni con noti jazzisti; Pierpaolo Martino, contrabbassista con esperienze in ensemble sia inglesi che italiani; e Valentina Magaletti, batterista dal background avant-rock con progetti come Tomaga e Vanishing Twin. Il trio ha all’attivo due album, “Frequency Disasters” del 2020 e “Naize” del 2023, pubblicati con l’etichetta Confront Recordings, nota per artisti del calibro di David Sylvian. Hanno calcato palchi di prestigio come la Hundred Years Gallery a Londra e partecipato a festival europei importanti, tra cui il Jazz is Dead a Torino, consolidando la loro reputazione nel circuito musicale.

Pianista e compositrice siciliana, che nella musica ha trovato una rinascita, dopo una storia di violenza domestica. La sua musica puntando sull’importanza della consapevolezza di sé con l’uscita del suo terzo album “The Choice” che è anche il titolo del concerto: un viaggio sonoro attraverso le sfumature della libertà e della facoltà di scegliere dove il pianoforte diventa il mezzo espressivo per narrare storie di decisioni, riflessioni e trasformazioni. È un’invocazione al potere della scelta, che trasmette emozioni che vanno dalla riflessione silenziosa alla forza liberatoria di un coraggioso atto decisionale. È un’ode alla bellezza e alla complessità della libertà individuale, una melodia delle scelte che plasmano il percorso dell’esistenza di ogni individuo.

Rebecca Fornelli, musicista e cantautrice protagonista di svariati premi nazionali dedicati alla musica d’autore, e Alessandro Pipino, compositore arrangiatore e pluristrumentista membro dei Radioverdish e de L’Escargot si incontrano nel 2018 dando il via a una collaborazione che li porterà ad esibirsi in duo. In A Diosa si accompagnano vicendevolmente tra composizioni inedite e omaggi nell’unione di due mondi sensibili alla ricerca di emozioni

Alessandro Pipino suona con i Radioverdish dal 1997 e con loro ha pubblicato 13 album, collaborato con numerosi artisti fra cui Franco Battiato, Antonella Ruggiero, Massimo Zamboni. Nel 2003 ha fondato L’Escargot con il quale ha pubblicato tre album e un singolo. Ha all’attivo numerosi concerti in Italia e all’estero e ha partecipato a numerosi eventi tra cui l’Olimpia di Parigi, il Blu Note di Milano al Parco della Musica di Roma. Collabora stabilmente inoltre con UARAGNIUAN, Maria Moramarco, Giorgia Santoro, Rebecca fornelli, e Terrae. Ha suonato Theremin come solista dell’Orchestra Sinfonica Della Città Metropolitana Di Bari e ha inoltre scritto musiche per il teatro e collaborato con numerosi registi.

Francesco Bearzatti è un sassofonista e clarinettista italiano. Nato il 9 ottobre 1966 a Pordenone, ha dato un contributo significativo al mondo del jazz. Francesco Bearzatti, il ha recentemente pubblicato l’album “Post Atomic Zep”. Questo progetto rappresenta un omaggio originale alla leggendaria rock band dei Led Zeppelin. L’album offre una versione fresca ed elettrizzante di alcuni dei più grandi successi dei Led Zeppelin, combinando elementi di jazz tradizionale con sperimentazione contemporanea. Oltre ai classici come “Stairway To Heaven” e “Going To California”, l’album include anche alcune composizioni originali. Francesco Bearzatti si definisce un “narratore innamorato delle parole” e un musicista capace di prodigiose innovazioni.

PEPPE SERVILLO & SOLIS STRING QUARTETportano in scena un nuovo concerto, questa volta interamente dedicato a Renato Carosone.
M’aggia curà è il titolo della nuova produzione dei Solis String Quartet e Peppe Servillo, o per meglio dire il titolo di un percorso in via di definizione.
A partire dal nome di una canzone guida del nostro repertorio, che ci suggerisce un nuovo spettacolo basato sul canzoniere umoristico napoletano e non, realizzeremo poco per volta un concerto capovolgendo la sequenza album-tournèe per favorire la consapevolezza e la dimensione di uno spettacolo vivente che forse diventerà per questo un buon disco come si usava dire (fare) un tempo.

Come afferma lo stesso Peppe Servillo: “Si ride con le canzoni, ma non solo, Renato ci commuove, si commuove guardando con carezzevole ironia i suoi toreri, sarracini, americani. Carosone pensa con affetto la sua gente, con un umorismo semplice, dal basso, senza sarcasmo, senza potere, senza cattiveria nel sorriso. Egli ci porta lontano, sbagliando volutamente strada, per un imprevisto musicale e di parola, noi lo seguiamo sperando di non fare danni, magari ci travestiamo e fra di noi non ci riconosciamo.

Sarà uno spettacolo pieno di energia poetica e musicale perché, oltre che dare tutta la mia energia suonando il pianoforte in trio o in quartetto, ricorderò mio padre a chi lo conosce e cercando di farlo conoscere a chi non ha mai sentito parlare di lui. Durante lo spettacolo non ci saranno tanti fronzoli; solo il reale della musica, che spero arrivi dritta al cuore di chi l’ascolta.

“Tantissimi amici hanno chiesto di potermi ascoltare in concerto, facendo vivere ancora le canzoni del papà, sapendo che io fossi la persona più indicata per farlo. Ho deciso di offrire al pubblico uno spettacolo di canto e musica, che comprende il mio repertorio di brani jazz originali e le canzoni di Enzo più care al pubblico e alla mia famiglia.”

Roberto Gualdi Batteria e percussioni

Linda Pinelli Basso elettrico

Daniele Moretto Tromba / Flicorno e cori

I Supermarket nascono nel 2010, inizialmente come side project del chitarrista Alfredo Nuti “dal Portone”, da sempre impegnato, a vario titolo, nel cuore della musica indipendente italiana: Extraliscio, Pacifico, Shaloma Locomotiva Orchestra, Saluti da Saturno, Colombre, Jang Senato, Giacomo Toni, NicoNote, Antonio Ramberti, Granturismo, e tanti altri. Il suo nome compare, come session man o come arrangiatore, in decine di dischi e collaborazioni live, in un percorso che spazia dall’elettronica contemporanea al liscio, dalla musica sudamericana al krautrock, dal garage punk al jazz, dal pop al teatro canzone.
Il nome Supermarket, d’altra parte, più che identificare una vera e propria band, è una sigla artistica che rimanda a diversi collettivi di musicisti e diversi momenti artistici avvicendatisi negli anni, in Romagna, sotto la sua direzione, all’insegna di una singolare unione tra esotismo kitsch e sperimentazione radicale, feste in spiaggia e black humor surrealista.

Florence Adooni è una figura chiave della vibrante scena gospel Frafra in Ghana. La sua voce è unica: nata e cresciuta nell’epicentro musicale dell’highlife, Kumasi, la capitale Ashanti, il suo stile si discosta dal tradizionale gospel Frafra delle regioni settentrionali del Ghana. Collabora con i migliori giovani musicisti dell’highlife della città, mescolando l’anima della savana settentrionale con il suono della foresta pluviale. Il risultato è un’esperienza unica che fonde il meglio di entrambe le culture. Il suo singolo di debutto, “Mam Pe’ela Su’ure”, su Philophon Records, ha riscosso un grande successo sia in Ghana che a livello internazionale. La sua musica è pervasa da un’anima affascinante e dal talento straordinario di tutti i musicisti coinvolti. Nel 2024, ha pubblicato il singolo “Uh Ah Song” sempre su Philophon Records. La sua musica è contagiosa e coinvolgente, un mix di storia e modernità che si esprime attraverso balli irresistibili. Nel 2023, Florence Adooni ha già effettuato due tour in Europa, entusiasmando il pubblico in festival prestigiosi come Roskilde, Down The Rabbit Hole e Überjazz.

Don Karate è un progetto strano, una specie di deviazione (in)aspettata. Perché Don Karate è il progetto solista-sempre-meno-solista di Stefano Tamborrino, fiorentino, uno dei batteristi jazz più richiesti e apprezzati che si possano trovare in giro, non solo in Italia.
Uno che ha suonato con Stefano Bollani e Ares Tavolazzi, David Binney e Louis Cole, allergico alle etichette e alle limitazioni di qualsiasi genere, e che con Don Karate (per la seconda volta, dopo il primo lavoro ufficiale “I Dance To The Silence”) prende il suo bagaglio tecnico e compositivo accumulato in anni di concerti e collaborazioni in giro per il mondo e lo mischia con l’hip-hop, con le melodie cinematografiche, sovrapponendole a groove spezzati, innestandole con l’elettronica, creando soluzioni sonore completamente nuove, calde, inaspettate, imprevedibili.
Difficilmente etichettabili, esattamente come voleva lui. E insieme a Tamborrino, per rendere reale quello che per molti altri musicisti non è nemmeno teorizzabile, ecco altre due personalità enormi della scena jazz europea (e già collaboratori storici, almeno nei live, del progetto Don Karate): Pasquale Mirra al vibrafono e Francesco Ponticelli al basso (che ha anche co-prodotto questo lavoro).

Lo stile di Joscho Stephan caratterizza il moderno swing gitano come nessun altro: con il suo tono autentico, armonica raffinatezza e sensibilità ritmica, ma soprattutto con una tecnica solistica da mozzare il fiato, Stephan si è conquistato una reputazione straordinaria sulla scena chitarristica internazionale. Come nessun altro, sa distinguersi nella moltitudine degli attuali adattamenti del gypsy swing che, oltre a numerose interpretazioni dei classici, combina con il repertorio latino, la musica classica e il rock. Questo dimostra la forza di Stephan come visionario creativo.

Il progetto LUMÉNEA di Ambrogio Sparagna, celebra la cultura grika del Salento, mescolando ritmi antichi e moderni. L’ensemble, diretto da Sparagna e composto da 10 talentuosi musicisti, eseguirà brani tradizionali con una nuova interpretazione. Il progetto nasce dalla volontà di preservare le tradizioni salentine, mantenendo vive le radici culturali della regione. Erasmo Treglia si unisce all’ensemble con la sua abilità alla. La performance promette di essere un’esperienza coinvolgente che unisce tradizione ghironda, ciaramella e torototela e innovazione.

I Radicanto sono un gruppo musicale italiano, il cui nome prende vita dall’idea di unire le radici popolari e il canto. La loro musica è una miscela di folk e canzone d’autore. Alla ricerca musicale e ad un’intensa attività concertistica, i Radicanto uniscono un costante lavoro nell’ambito del teatro, del cinema e della danza. Nel loro percorso artistico vantano collaborazioni con alcuni tra i massimi esponenti della musica di tradizione, di quella antica, ma anche d’autore e jazz, sia in contesti cinematografici che in quelli live e discografici (Teresa De Sio, Raiz, Lucilla Galeazzi, Roberto Saviano).

Giuseppe De Trizio (chitarre, mandola e mandolino) Maria Giaquinto (canto e recitazione) Adolfo La Volpe(chitarre, oud) Francesco De Palma (batteria, percussioni) Giovanni Chiapparino (fisarmonica)

Nati come gruppo di Pizzica Salentina la loro storia rappresenta il ponte ideale tra legame col passato e proiezione nel futuro. Negli anni danno vita al concetto di Tradinnovazione, ‘melting pot sonoro’ in cui la tradizionale musica salentina cambia volto e incontra e si confronta con altre sonorità, dal Dub al Reggae, dal Rock all’Hard-Core. “Punk-hard-core-tarantolato salentino” è la definizione usata per sottolineare la sperimentazione del gruppo che innesta al patrimonio tradizionale tecniche fino ad allora estranee alle sonorità popolari. Iniziano le prime tournee europee soprattutto in Francia, terra che più volte li ospiterà. La nuova formazione accoglierà nuovi strumenti come chitarre elettriche, synth e batteria. Al leader Claudio “Cavallo” si riaffianca, in un simbolico re-incontro tra vecchio e nuovo, il fratello “Mino” Giagnotti, definito dalla critica, una delle voci più interessanti del panorama popolare salentino. La voce tradizionale di Mino canta sull’onda sonora di chitarre distorte, riff “arrabbiati”, tappeti musicali creati da sintetizzatori e moderni strumenti elettrici. Ne viene fuori un sound potente, originale e audace e nasce una nuova idea di spettacolo musicale denominata “Ballati!!!”. Negli anni arrivano a suonare addirittura in Australia e contemporaneamente si gettano le basi per un nuovo grande progetto musicale e documentaristico “GITANISTAN”, lo “Stato” immaginario delle famiglie rom salentine.

Claudio “Cavallo” Giagnotti voce, tamburello, flauto

Vito Giannone mandolino elettrico

Mino Giagnotti tamburello, chitarra, voce

Alessio Amato elettronica